L'appel de la forêt

Avec ce paysage peint en 1867, Courbet nous fait entrer dans la forêt. Certes une forêt froide et hivernale, mais que l’on peut presque sentir! Comme le dit Cézanne à propos du peintre: «Son grand apport, c’est l’entrée lyrique de la nature, de l’odeur des feuilles mouillées, des parois moussues de la forêt ». Chef de file du mouvement réaliste dans les années 1840, Courbet n’a de cesse de proposer des œuvres empreintes de naturalisme. Lorsqu’il peint ce paysage de Franche-Comté (d’où il est originaire), il resserre le cadrage, nous plongeant ainsi directement au cœur des éléments, grande modernité ouvrant la voie à l’impressionnisme. Le XIX^e siècle est le siècle de l’arbre ! Ce dernier est désormais « portraituré » par les peintres. Le prix de Rome intègre une section « Peinture de paysage » en 1817 comportant une épreuve durant laquelle les artistes doivent réaliser une essence d’arbre sans en avoir de modèle. Afin d’étudier, de nombreux peintres se retrouvent en forêt de Fontainebleau autour de Barbizon, un véritable « appel de la forêt » !

Henri-Edmond Cross tire les leçons de l’impressionnisme et exploite pleinement cette palette excluant le noir. La surface de ce tableau est entièrement recouverte de petites touches juxtaposées, soigneusement divisées en deux groupes : les tons chauds pour la lumière (celle du soleil du Midi) et les tons froids pour les ombres. La composition de ce sous-bois est une virtuosité de contrastes colorés. Les pins de droite aux formes sinueuses, torturés par le vent marin, sont réalisés dans un somptueux camaïeu de bleus et d’indigo, répandant leur ombre tout au long du sentier. Ce dernier nous conduit vers un troisième pin, exposé à la lumière du soleil venant frapper son tronc par la droite. Coupé en deux verticalement, sa face offerte au soleil est constituée de mille touches allant du jaune pâle à l’orange presque rouge pour les branchages alors que sa partie ombragée est réalisée dans la palette froide de tons bleutés.

Quelle étrange Synthèse de la forêt nous offre Félix Del Marle ! Le plus surprenant c’est que cet artiste a majoritairement peint des œuvres géométriques abstraites au fil de sa carrière, dans la continuité du néoplasticisme. Il a toutefois opéré une parenthèse figurative dans les années 1930. Le peintre nous fait entrer ici dans un curieux univers onirique et surréaliste. Cette forêt est telle une île au milieu d’un paysage lunaire. Le regard, tout en suivant les lignes féminines d’une souche hybride, s’égare dans des bribes de paysages plus mystérieux les uns que les autres. Une forêt lugubre, froide et enneigée sous le genou, des biches fuyant les flammes sous la poitrine, un sous-bois automnal propice à la flânerie sous la seconde jambe, une clairière aux couleurs tendres et ensoleillées sur le ventre, un intérieur mystérieusement gothique au creux du bras…que disent ces paysages ? Quelles sont les références du peintre ? Des contes pour enfants, des souvenirs, des rêves enfouis ? Leur surgissement entre les membres de cette « femme forêt » ne peut que nous renvoyer à notre propre imaginaire…

Voici une forêt où il semble difficile de pénétrer ou de s’extraire, comme il est parfois impossible de se défaire des images d’un mauvais rêve. Max Ernst semble vouloir nous plonger dans une forêt cauchemardesque. Ses arbres aux formes surréalistes saturent l’espace de la composition et leurs sommets ne laissent qu’entrapercevoir un morceau de ciel bleu dans lequel flotte un astre énigmatique. On n’ose imaginer quels êtres monstrueux ou inquiétants peuplent les lieux. L’effet est rendu par la technique du frottage souvent employée par Max Ernst. Des couleurs disposées sur la toile ont été recouvertes d’une couche de noir. La surface frottée laisse apparaître les couleurs et fait surgir des empreintes de planches et de ficelles placées au préalable sous la toile. L’effet texturé du rendu accentue la frontalité de ce décor et en augmente le mystère…

Dans cette évocation très expressive de la nature, l’Américaine Joan Mitchell convoque presque tous nos sens ! Dans une palette de tons froids, elle nous invite à une plongée au cœur de la matière. Les traces de brosse, l’épaisseur de la couche picturale mais aussi la fluidité des coulures semblent prendre vie à la surface de la toile. Héritière du mouvement expressionniste abstrait américain à la suite de Jackson Pollock, cette artiste a toutefois étudié les peintres des générations précédentes, parmi lesquels Claude Monet. Cette passion pour l’impressionnisme la conduit à s’installer à Vétheuil (Val d’Oise), petite ville où vécut Monet à ses débuts. Elle retient du maître la dimension sensorielle du contact avec la nature et la traduit dans une peinture gestuelle puissante ! Ici, bien que la composition soit abstraite, l’emploi d’une multitude de verts, de bleus et de mauves renvoie instinctivement le spectateur à une immersion dans la nature.

Cette œuvre de Carl Andre est telle une forêt de poutres ! Près de deux tonnes de sections de cèdre rouge du Liban sont disposées au sol, dans une installation au titre énigmatique : « Flanders fields» ou « Champ des Flandres ». Cette mise en scène très minimaliste est typique du mouvement américain du même nom. Trouve-t-elle une explication symbolique dans les immenses champs/cimetières militaires du nord de l’Europe, qui s’étendent comme des forêts de sépultures, et dont la régularité est effrayante ? Dès la fin des années 50, Carl André réalise des sculptures en bois inspirées de l’œuvre de Brancusi, qu’il a découverte lors d’un voyage en Europe en 1954. À partir de 1960, il abandonne la taille directe et utilise des poutres en bois brut débitées industriellement qu’il assemble en des combinaisons infinies, élaborant un principe de composition modulaire ouvert. C’est sur ce principe qu’il crée ses premières pièces au sol en 1966, révolutionnant la sculpture qui, de verticale, devient horizontale. La sculpture est conçue comme un lieu à parcourir, ici comme une étrange forêt de poutres industrielles.

Le vaste format (200 x 250 cm) de cette Forêt enneigée peinte par Philippe Cognée en 2020 fait entrer le spectateur dans les éléments à l’instar de son lointain ancêtre Paysage sous la neige peint par Courbet en 1867 et également présenté dans cette thématique. Travaillant sur des bases photographiques, le peintre utilise en revanche une technique originale de peinture à la cire qui plonge le spectateur dans une certaine confusion visuelle. La matière fascine par ses imperfections et ses multiples vibrations et tremblements tout en rendant complètement et étonnamment perceptible le sujet : une forêt enneigée qui s’étend à perte de vue. Au loin, au travers des branches lourdement chargées d’humidité, semble apparaître la lueur d’un horizon dégagé. La confusion règne, est-ce finalement de la neige ou de la peinture que l’on observe ?