Autour du cubisme

De 1915 à 1919, Gleizes vit à New York où il réalise des œuvres traduisant la vie trépidante des temps modernes.

Espace rythmé selon le plan est l’étude la plus achevée d’un projet monumental destiné à la gare de Moscou. Gleizes explore ici les possibilités dynamiques de la peinture en aplats de couleurs vives et crée un paysage de gratte-ciel en juxtaposant et superposant des plans géométriques. Quatre personnages animent la composition, réduits à quelques signes désignant le visage, la chevelure et les mains, à l’instar des silhouettes de cartes à jouer. Suivant le concept de simultanéité cher au cubisme, profils et faces mais aussi visions nocturne et diurne se côtoient, rythmant la composition comme une musique syncopée.

D’origine russe, Zadkine s’installe à Paris en 1910. Fasciné par à la statuaire de l’île de Pâques et la sculpture romane, il transforme le bois tout en respectant ses spécificités.

Le corps du Prophète se confond ainsi avec le tronc de l’arbre dans lequel il a été taillé ; il en souligne la verticalité et le caractère monolithique. À l’exception des mains, avant-bras et genoux, aucune saillie ne vient rompre cette silhouette longiligne. Au bois soigneusement poli, l’artiste préfère le primitivisme d’un matériau à peine dégrossi, à l’instar des objets de Gauguin, qu’il traite de façon sommaire comme les entailles des yeux et de la bouche ou le léger relief du nez. Ce personnage semble hors du réel, tant par sa stature que par son profond recueillement.

En 1917, Picasso est à Rome pour réaliser les décors et les costumes du ballet "Parade" de Diaghilev. Il rencontre la danseuse Olga Khokhlova qui deviendra sa première épouse.

Dès lors, il revient à une figuration assagie, inspirée de l’art de Michel-Ange et Raphaël. Femme lisant est un admirable exemple de cette nouvelle manière. Peint dans un camaïeu de gris et de rose, héritage de la palette cubiste, le tableau représente - probablement - Olga en train de lire une lettre. Sa tête est négligemment soutenue par sa main droite dont le doigt posé sur la tempe rappelle un célèbre portrait d’Ingres. Picasso reprend les canons classiques pour mieux les déformer et aboutir à une représentation où tout semble figé dans une éternité de marbre.

Le milieu des années 1920 voit surgir sous le pinceau de Picasso une nouvelle humanité, tourmentée et vociférante, synthèse du cubisme et de ses recherches postérieures.

Peinte sur une porte de placard, Figure rappelle le goût de Picasso pour l'objet du quotidien récupéré et métamorphosé. Les nuances variées de gris, de noir et de blanc répondent aux teintes couleur bois du support non-peint. La fascination que cette figure indéfinissable opère, représentation inquiétante d’arlequin ou apparition fantomatique d’une femme-monstre, tient avant tout à son mystère, à l’ambiguïté d’une image qui ne se laisse jamais saisir, tout en exhibant, sans artifice aucun, ses éléments constitutifs.

Pionnier de l’abstraction, Robert Delaunay participe au vaste mouvement européen qui, à la veille de la Première Guerre mondiale, vient révolutionner la représentation. Alors qu’il se rapproche de Klee et de Kandinsky, il réalise la célèbre série des Fenêtres, peinte entre 1912 et 1913.

L’embrasure de la fenêtre se superposant au cadre du tableau, la surface picturale se résume à une multitude de facettes colorées, véritable kaléidoscope. La sensation de rythme naît de la simple juxtaposition ou compénétration de couleurs, des touches en frottis et des transparences. Abandonnant l’usage du dessin, Delaunay conserve toutefois l’ébauche d’une tour Eiffel, motif cher à son œuvre, dernier détail objectif et icône de la modernité.

L’artiste signe en 1910 le Manifeste des Peintres futuristes et se joint au mouvement futuriste naissant réuni autour de la figure charismatique du poète Filippo Tommaso Marinetti. Glorifiant l’ère industrielle, le bruit, la machine et la modernité, tous déclament : « La splendeur du monde s’est enrichie d’une beauté nouvelle, la beauté de la vitesse. »

Dans ce tableau, la figure, entièrement décomposée, n’est que tournoiement, spirale et rythme. Démultiplié, son corps dépasse les limites physiques du tableau pour donner la sensation du mouvement. Nourri des développements récents de la chronophotographie, l’artiste joue de la répétition de certains détails pour donner un aspect kaléidoscopique au personnage.

Installée à Paris en 1925, Marcelle Cahn devient l’élève d’Ozenfant et de Léger. La rigueur et l’esprit de synthèse qui caractérisent son art la conduiront à l’abstraction vers la fin des années 20.

Le Lavabo est un sujet moderne par excellence. Chaque élément est parfaitement identifiable malgré l’extrême schématisation. Évier, cuvette, robinet, jet d’eau, tuyauterie sont peints en aplats, dans un espace sans profondeur. La composition est orthogonale , à l’exception de la courte oblique du tuyau d’évacuation. Avec le noir, le blanc et le grisé qui donne une illusion de volume, les couleurs sont très proches de celles du Remorqueur de Fernand Léger. De ce dernier subsiste également l’esprit de modernité d’une esthétique de la machine qui mêle figuration et abstraction.

Sculpteur français d'origine lituanienne, Lipchitz s'installe à Paris en 1919. En 1913, il découvre le cubisme lors de sa rencontre avec Picasso et Gris. Cette sculpture en terre cuite se présente comme une silhouette compacte constituée de multiples éléments assemblés. Même très schématisés, la coiffe, la collerette et le boutonnage suffisent à identifier Arlequin, thème qui revient à plusieurs reprises dans son œuvre en référence à la peinture de Watteau qu’il admirait. Grand amateur de musique, Lipchitz reproduisait volontiers des instruments, à l’instar des cubistes. Ici, il superpose et confond le bras droit avec une clarinette tandis que le contour du bras gauche s’apparente au profil d’une guitare. Des notes de musique sont gravées sur une surface lisse qui tient lieu de partition.